<div>Continuación del trabajo planteado en "Faces of the New World",&nbsp;</div><div>Esta vez enmarcado en las peluquerías del Barrio Yungay</div><div>Para el Encuentro de Arte Espacios Revelados</div><div><br></div><div><br></div>

Espacios Revelados. Fundación Siemens

Cosmética Capilar del Nuevo Mundo (2016)

<div>Retratos y paisajes de mi archivo personal, reunidos por el afecto que suscita tal o cual imagen. Mis amistades, mis ídolos y la vida en la ciudad. Pinturas a modo de bitácora. Todo retrato es una declaración de amor, toda novela es una funa, todo poema un acertijo.</div>

2020

retratos de amigues vol. 2

<div>Auto entrevista. Junio 2022</div><div><br><br></div><div>Estamos muy contentos porque hoy entrevistamos un artista de la casa. Un artista muy querido quien se encuentra en un período de bastante actividad y es por eso que queremos adentrarnos hoy, en todo lo que es su universo de creación artística. Con ustedes, Javier Mansilla – es decir yo mismo- artista visual, cuya labor se desarrolla en múltiples lenguajes y que hoy nos presenta su último trabajo; Pulpa PVC, próximo a exhibir en la Biblioteca Pablo Neruda, en la comuna de Independencia.&nbsp;</div><div><br><br></div><div>Pulpa PVC es un proyecto, que en palabras del propio artista son, “esculturas muy políticamente correctas”, cuéntanos, Javier, a qué te refieres con eso porque la verdad es que conociendo tu trabajo, nos cuesta creer que vayas por el camino de lo políticamente correcto.</div><div><br><br></div><div>JM: Bueno, a ver, debo reconocer que tal como tú dices, soy un rebelde, qué te puedo decir, soy un caso. Pero a lo que me refiero con que son esculturas que resultan de operaciones archiprobadas, como la recolección de material de desecho, o el uso de material industrial, el uso de materiales encontrados. Son operaciones antiguas, probadas, se sabe que funcionan y bueno el montaje tiene un look medio minimalista que sigue de moda como desde hace sesenta años. Por eso digo que son políticamente correctas. Además estoy trabajando con cáscaras de palta, y hace un par de años, Livia Marín hizo una exposición que se llamaba Oro Verde en Patricia Ready, asique estoy repitiendo patrones, estas esculturas, que usan el mismo material, podría decirse incluso que son un plagio.</div><div><br></div><div>JM: Ya, ¿Pero son un plagio realmente? ¿Conoces a Livia Marín? ¿Existe la posibilidad de que ella te haya robado la idea?</div><div><br><br></div><div>JM: Sí la conozco. Adoro su trabajo. Pero es muy probable que ella no se acuerde de mí. La tuve de profesora en la Uniacc. La recuerdo con cariño. Fue una súper buena profe y tuvimos una muy buena relación. Yo entregaba buenos trabajos y me sacaba buenas notas, hasta que para una entrega trabajé poco, traté de defender lo indefendible, me hizo críticas duras que no pude aceptar y hasta ahí llegaron nuestras buenas relaciones. De hecho el encargo siguiente fue volver a hacer un trabajo de primer año como castigo. Eramos un curso bien flojo.</div><div><br><br></div><div>JM: Ya, ¿Entonces te robo la idea?</div><div><br><br></div><div>JM: No no me la robó. Ella lo hizo primero. Pero cuando inauguró Oro Verde yo ya había empezado a recolectar mis cáscaras de palta sin saber que ella también estaba trabajando en lo mismo y bueno, creo que por esa época la palta ya estaba empezando a subir de precio y a estar en entredicho por los problemas de acaparamiento de agua en el valle del río Aconcagua, entonces, creo que estábamos todos atentos a ella. Yo llegué a interesarme en la cáscara de palta como material simbólico por devenires exclusivamente domésticos. Creo que si bien hay un discurso o declaración política al usar las paltas -que tiene que ver inequívocamente con problemas medioambientales- es evidente también que hay tratamientos diferentes que se valen y apelan a sensibilidades diferentes. Aunque creo que, fuera del discurso medioambientalista, hay una sensibilidad similar -entre Livia y yo- en la relación con la materia, el objeto.</div><div><br><br></div><div>JM: O sea sí es plagio</div><div><br><br></div><div>JM: No. El plagio es consciente y esta fue una bonita casualidad. Por lo demás, la crisis medio ambiental, queramoslo o no es EL problema que nos concierne a todes ahora. Artistas o no. Es la gran urgencia que atender. Dada así las cosas, es más que probable que hayan coincidencias así de específicas.</div><div><br><br></div><div>JM: ¿Es esta auto-entrevista un disclaimer para aclarar que Pulpa PVC no es un plagio, y que cuando Livia Marín inauguró Oro Verde tú ya te encontrabas trabajando con cáscaras de palta?</div><div><br><br></div><div>JM: ¿Sabes? Quizás sí lo sea. Quizás necesito librarme del fantasma de la copia. Quizás me aterra que me acusen de plagio y necesito aclarar que yo nunca, jamás incurriría en una bajeza tal. Pero también me interesa entrar en detalles más específicos de la obra, que ya poco tienen que ver con la figura de Livia Marín.</div><div><br><br></div><div>JM: ¿ A ver, como cuáles?</div><div><br><br></div><div>JM: Como la insistencia con la bolsa de plástico o la insistencia con el material orgánico o la insistencia con la mezcla de ambas materialidades.</div><div><br><br></div><div>JM: Tienes razón, es importante que lo menciones, porque ahora que lo dices recuerdo que tu exposición anterior, Proyecto Por Favor, en Instituto Tele Arte, también conjugaba estas dos materialidades; orgánico versus sintético, y también tenía a la bolsa de basura como uno de sus elementos principales, pero en ese caso estaba todo trabajado desde el código de la pintura. ¿Entonces en Pulpa PVC estará todo trabajado desde el código de la escultura, o también podremos ver cruces?</div><div><br><br></div><div>JM: Te recuerdo que Proyecto Por Favor, si bien estaba trabajado desde el código de la pintura, tenía una fuerte presencia objetual. No eran simples cuadros colgados al muro. Las pinturas estaban sostenidas por estructuras construidas de manera bien bruta, con un gran componente escultórico y espacial.</div><div>Para el caso de Pulpa PVC, efectivamente el origen del trabajo es escultórico, objetual. No hay representación ni figuración. Pura presentación. Ahora, igualmente podríamos encontrar guiños pictóricos, en tanto el montaje de las esculturas es todo a muro y no en el centro de la sala. O la cuestión cromática que se dé en la composición y montaje de las piezas. Esas podrían ser características de la pintura, pero creo que estoy pensando esto más desde la escultura.</div><div><br><br></div><div>JM: ¿Te interesa demarcar bien los límites entre disciplinas, o luchas por borrarlos y encontrar cruces, puntos medios, terrenos ambiguos?<br>&nbsp;<br>&nbsp;JM: Las luchas van mutando en el camino del samurai. Pequeñas batallas -a veces por un bando, ortas por el bando contrario- que se suman y hacen una gran batalla. La batalla de la vida ¿síono? Efectivamente he estado muy ocupado en intentar encontrar una cruza entre pintura y escultura, o buscando las propiedades volumétricas en la pintura, desde que salí de la escuela hasta hoy. Es sano para el trabajo artístico proponerse objetivos, metas, pies forzados, marcos teóricos, Pero creo que fundir los límites o trabajar en una disciplina de manera tradicional es algo que simplemente sucede, no debería buscarse a priori. O bueno, en verdad depende. Siempre depende. En fin, creo que lo que quiero decir es que cada idea tiene su manera de existir en el mundo y los humanos, los artistas, debemos tener la libertad de hacerlas existir como podamos, combinando nuestros saberes y los recursos disponibles. Me encanta la pintura, me encanta leer novelas. Hay que saber sentirse libre de pintar un cuadro un día, escribir una novela el otro o presentar algo que sea un punto medio entre una y otra y que el gol sea la obra terminada o el proceso de investigación, más que haber quebrado las categorías.</div><div><br><br></div><div>JM: Específicamente sobre esta muestra. El título, ¿A qué alude?</div><div><br><br></div><div>JM: Creo que es bastante claro, alude a una imagen que reúna, junte, mezcle, yuxtaponga materia orgánica con plástico, propone una pulpa de plástico, una fruta plástica. Una ficción -ya cada vez más real- de la naturaleza y los procesos biológicos integrando el plástico. Para mí es como una imagen exacerbada del microplástico, que ya se encontró en el torrente sanguíneo humano o en el líquido amniótico, además de en la carne de los peces. Ahora, volviendo a los títulos, una posibilidad era “Flores Secas”, como la canción de Los Tres, pero quise hacerle el quite a usar títulos de canciones célebres para evitar clichés o atajos. Normalmente funcionan bien, pero quise evitar ese recurso que ya usé alguna vez.</div><div><br><br></div><div>JM: ¿cómo sabes cuándo estás incurriendo en un cliché?<br>&nbsp;<br>&nbsp;JM: … ¿y tú me lo preguntas?</div>

2022

Pulpa PVC

instituto TeleArte2022

PROYECTO PORFAVOR

<div>Segunda entrega del proyecto Poemas dentales, cuya hipótesis principal consiste en presentar la oclusión (mordida) como un acto de produccion de escultura.</div><div>Para galería Concreta se realizaron&nbsp; 3 videos y dos piezas objetuales. Además de las cuestiones escultóricas tratadas, que integran el uso del desecho doméstico, la pequeña escala y la conjunción orgánico-sintético, el proyecto se abrió a nuevas áreas de interés como el texto, la palabra hablada y la literatura.</div><div>Entendiendo que la dentadura juega un rol imprescindible en la articulación de fonemas, palabras y lenguaje, es que este proyecto profundizó en nuevas nociones de lo ORAL. Así relatos en primera persona, audios de whatsapp, narraciones ficticias, memorias documentadas, y poesías, hacen parte de las piezas presentadas en esta segunda versión.</div><div>A continuación texto curatorial por Ximena Moreno<br><br></div><div>Luego de un primer volumen (o primera exposición) que fue exhibida en 2018 en el Parque Cultural de Valparaíso, esta segunda muestra deriva de otros y nuevos cruces que se generan bajo una misma investigación que despliega,en esta exposición, otras alternativas ligadas al relato y al audio principalmente en formato video. A partir de reflexiones acerca la dentadura y la mordedura como recurso físico emparentado con aspectos psicológicos, emergen gran parte de las propuestas visuales presentes los cuales no solo se vinculan con la versión anterior de<em> Poemas Dentales</em>, sino que también cpon la producción del artista en momentos previos, tales como en <em>Mascando chicle</em> (2007-2011). Tras poner énfasis mayoritariamente en la deformación y transmutación de pequeños elementos domésticos que se ven alterados por el acto insistente de morder o de a hábitos parafuncionales, esta segunda versión da continuidad a experimentos presentes en el primer volumen, abriendo a la vez, otras rutas y nuevos tramos donde se varía de una micro a una macro escala, donde intercede la voz y donde la edición de imágenes sirve de elemento constructivo cobrando gran relevancia.</div><div>Es así como se pasa del protagonismo del objeto (protagónico en la versión 2018) a una experiencia que por las características de los videos y los guiones de <em>Poemas dentales N.2</em> se vuelve envolvente y atmosférica, como un tejido de nuevas posibilidades que emergieron del interés del artista, quien desde su niñez, conserva sobre la dentadura humana, sus imperfecciones, y sobre cómo rendir tributo a ésta a través de escritos, dibujos y poemas tras una insistente observación de dientes, y distintos rostros.&nbsp;</div><div>De esta manera, aparece un universo cotidiano donde se distinguen tapas, cubiertos, bombillas, palos de helado,&nbsp; chicles, entre otros objetos, los cuales están en permanente contacto con la boca, y que se refieren a distintos conceptos relacionados con el universo dental no sólo en su definiciones de anatomía calcificada&nbsp; y conceptos que la describen, sino&nbsp; en permanente guiño al plástico, a la basura, y su vinculación con la ansiedad, las respuestas agresivas, el desgaste, el autoestima, los traumas, la alimentación y el cómo digerimos y masticamos nuestras preocupaciones en contacto con un universo inmediato que delata nuestros tiempos y el temperamento en la ecuación del mismo.&nbsp;</div>

2019-galería concreta 

poemas dentales vol. 2

<div>Obra por encargo realizada para el proyecto Aproximación Visual al Territorio, curado por Andrés Grillo. Para este proyecto se invitó a los artistas Leonardo Portus, María José Rojas, Mario Z, Alejandra Herrera y Javier Mansilla a que trabajasen con la comuna de Independencia como materia prima y problematizar temas actuales de la comuna como el patrimonio arquitectónico, la falta de áreas verdes, la&nbsp; migración, etcétera.<br>Además de las piezas presentadas en la sala de exposiciones de la Biblioteca de Independencia, el curador pedía como pie forzado realizar una intervención en el espacio público. La obra que presenté, entonces, tuvo dos etapas:<br>Primero, una instalación en la sala de exposiciones que simulaba un puesto de venta de souvenirs, o tienda de recuerdos.&nbsp; Donde se vendían platos pintados, poleras, imanes y artesanías hechas a mano que retrataban el panorama actual de la calle Independencia: Mucho escombro, ruina, maquinaria pesada y obra gruesa en proceso.</div><div>En segundo lugar la intervención pública: Barrer y trapear las baldosas y azulejos que quedaron al descubierto como parte de la vereda, luego de que se demolieran las fachadas de las casas para poder ensanchar la avenida independencia a propósito de los nuevos recorridos del Transantiago, quedando en la vía pública vestigios de lo que antiguamente fueron espacios privados y domésticos. Luego de limpiar estas baldosas, se procedió a instalar una placa de cobre con la leyenda “Placa conmemorativa, MMXVIII”</div><div><br></div><div><br></div>

2018- independencia

más pesados que roca

<div>Colectiva Ex Alumnos Uniacc en Sala CCU, Agosto 2018</div><div><strong>Por medio de la composición de un todo por la unión de sus partes.</strong></div><div><strong>Ingrid Wildi Merino</strong></div><div>La obra de Javier Mansilla se enmarca desde la pintura hacia los desplazamientos volumétricos, escultóricos y objetuales, analizando y problematizando su representación desde las dicotomías entre; realidad versus ficción, sintético versus orgánico, naturaleza versus paisaje, salvaje versus domesticado. Mansilla cuestiona las problemáticas medioambientales en nuestra realidad local,&nbsp; lo que&nbsp; conllevan a trabajar con materiales de desecho, desarrollando un tipo de estética precaria de imaginarios cotidianos reutilizando objetos de uso ordinario para cuestionar problemáticas que trascienden lo medioambiental y se conecten al transito migratorio de personas. Uno de sus primeros trabajos pictóricos realizados en Nueva Zelanda donde residió en una estadía en Workingholiday, donde realizo el proyecto I Hope you like it,- (Espero que te guste, -), Mansilla realiza retratos pintados de&nbsp; personas migrantes sobre formularios para la obtención de tarjetas de New World, customer card, exponiéndolas en la Galería None en Duniden en Nueva Zelanda. Esta obra lo conllevo a realizar mas tarde,&nbsp; retratos de migrantes en contextos populares como método de dialogo con comunidades migrantes en Santiago. Con este trabajo Mansilla nos muestra diferentes maneras de entender el mundo en cual vivimos sobre los desplazamientos de personas buscando un territorio habitable, dando a ver diferentes formas&nbsp; de&nbsp; existencia por parte de personas migrantes. Mansilla pone en cuestión el medio de la pintura como representación desde la historia del retrato en Chile principalmente a partir de lo pictórico, pero sin dejar de aludir al dibujo, color y composición. En su trabajo posterior,&nbsp; el paisaje se transforma en el escenario y origen de la vida. Así, kilómetros de paisaje&nbsp; contenidos en una acuarela del pintor chileno Valenzuela Llanos, pasan a representar el paisaje dominado, el paisaje domesticado, el paisaje saqueado y contaminado- plástico, agua, barro relacionándolo con lo sintético y lo orgánico posicionándolo con la visión del artista desde una perspectiva ecológica. El trabajo fotográfico&nbsp; de Javier Mansilla para la muestra en la CCU, pone en cuestión los términos “paisaje” y naturaleza. Una gran imagen que hace eco a las gigantografías publicitarias para futuros proyectos&nbsp; de inversionistas inmobiliarios, deviene en una voluminosa fotografía, re-trabajada por el artista anticipando el devenir de la naturaleza en “paisaje” para fines de lucro. El trabajo de Mansilla nos recuerda el proceso de colonización de Chile y el uso del término “paisaje” como clave para comprender la configuración espacial de la nación en la época de la colonia. Desde la historia sabemos&nbsp; los mecanismos de la colonización, se encargo de apropiarse de cada fragmento del territorio chileno aún no colonizado, mapeándolo, catalogándolo, transcribiéndolo y dibujándolo desde cada uno de sus detalles para mas tarde, volverlo digerible para el sistema económico. Con la obra titulada Topografía senil, realizada para muestra CCU, Mansilla nos hace ver como la representación de un paisaje se disuelve y se contrapone al marco dado para su representación como obra de arte para un salón de exposición. La forma que Mansilla utiliza para el desarrollo de este trabajo, es dar a ver como la compresión de una representación al quererla comprimir en una superficie mucho mas pequeña, la superficie pierde su consistencia desasiéndose hasta colgar y caer fuera de su marco y contención.</div>

2008-sala CCU

topografía senil

2018

Jubaea chilensis 

<div><strong>Another one bites the dust / Otro Muerde el polvo</strong></div><div><strong>Wladymir Bernechea</strong></div><div><strong>&nbsp;</strong></div><div>La imaginería de la publicidad ha creado y masificado comercialmente una visión hegemónica de la dentadura. Todas parejas, brillantes y relucientes, como pequeños diamantes, unos iguales a otros. Caso muy distinto a la valorización en oriente, particularmente Japón, donde a la dentadura se le atribuye un valor estético positivo, considerando la variación y desnivel de cada pieza incrustada como un atributo de belleza. Esta visión indudablemente es mucho más cercana a la realidad que vivimos a diario. Cada diente es distinto a otro dependiendo de la persona, por lo que de una manera u otra afecta la visión de sí mismos. Esta característica también remite a la funcionalidad de cada diente, como el clásico “choclero”.</div><div><br></div><div>En Poemas dentales de Javier Mansilla podemos ver distintas dimensiones de los dientes. Por un lado, las características particulares de cada individuo en relación a estos, a través de una serie de poemas producidos mediante la acuciosa observación de la singularidad dental de personas y cómo estas son determinadas visualmente en esta característica; y por otro lado, la subversión de la funcionalidad de los dientes hacia el terreno escultórico. En este último, la mordida se establece, más allá de su función específica, como una herramienta de modelado tridimensional, donde las materialidades u objetos como chicles y tapas de lápices –que iconográficamente forman parte del imaginario de cosas que inconscientemente son mordidas– se ven transformadas en pequeños ready-mades escultóricos construidos en torno a la marca que deja el ser aplastados por una dentadura.</div><div>&nbsp;</div><div>De alguna manera podríamos decir que todos los objetos que presenta Mansilla adquieren la forma de él mismo. Su dentadura siendo gastada, o más bien ampliada a una función artística a través de la utilización de los dientes como herramientas constructivas. Si bien las formas de los objetos resultantes son independientes en sí mismos dentro de su visualidad, la huella del autor queda presente inevitablemente mediante el gesto causado entre el choque del diente y el soporte.</div><div><br></div><div>De esto se puede establecer que Poemas Dentales de Javier Mansilla es una apología a una característica común de todos, una especie de huella digital que forma parte fundamental de nuestra percepción propia y la forma en que vamos marcando y mordiendo el mundo. Una forma en que Mansilla, mediante el gesto bucal, deja una huella. Y como diría Queen: «que otro muerda el polvo».</div><div><br></div><div><br></div>

2018-PCdV

poemas dentales vol.1

<div>Pintura de paisaje sobre bastidores construidos con ramas y bolsas de plástico negro.</div>

2017

Post Apocalypse Paintings 

Casa En Blanco

Mortadela de los Andes (2016)

Universidad Autónoma de Talca

El próximo Aluvión (2016)

<div>Retratos que no fueron parte de ninguna serie cuando fueron pintados, pero conforme pasaron los años, valió la pena presentarlos todos juntos como una&nbsp; serie.<br><br>&nbsp;Algunos los disfruté otros los padecí pero ahora igual me gusta mirarlos y ver cómo se ven todos juntos.<br><br>El primero es mi amigo Talo, guitarrista de las Suicide Bitches, en la prueba de sonido de una tocata en el bar La Cantera como el 2010 que tocamos con un proto Adelaida que hacía covers de Joy Division. La pintura la hice el 2011. Acrílico sobre tela.&nbsp;<br><br>El segundo es el adorado Jorge González, figura cada vez más importante de mi diario vivir. La pintura la hice el 2015 y es acrílico sobre tela, hoy perteneciente a la colección de Angie Vial.<br><br>El tercero es un retrato de mi significant other, La Coté Cifientes, tomando un shopcito en el patio de un bar en Lo Prado el 2014, después de la tocata debut que tuvimos con Parálisis del Sueño. Maravilloso el contraste de su hermosura con el desastre que hay detrás. Pintado&nbsp; el 2018, en el taller del pintor Elier Revillard, quien me ayudó con la técnica del sobao. Mide 40 x 60 y es óleo sobre lino.<br><br>Creo que esta serie crecerá, porque siempre hay un alguien que te usa bien una chaqueta de cuero y que vale la pena ser retratado, por ejemplo Benno Von Archimboldi.<br><br><br><br></div>

2011-2018

retratos de amigues

<p>Flora and fauna painted on black rubbish bags</p>

Estudio Panal / Nada Lokal

Rubbish Bag works II (2015)

<p>Exposición Bipersonal de pintura contemporánea en conjunto con Enrique Flores</p>

Galería PANAM

Tú & Yo 2015

<p>Proyecto para la exposición SUB 30 pintura Joven en Chile.<br>Serie de pinturas figurativas y abstractas en las que se busca una cruza con la escultura y el volumen a través de la &nbsp;reutilización de materiales de desecho tanto sintético como orgánico.</p>

MAC Quinta Normal. Sub30 pintura en chile

 Bienvenido al universo de mi imaginación (2014)

<p>Una fotografía de &nbsp;5 x 3 mt es enmarcada en un perímetro de 1,7 x 2,9 mt.</p>

Centro Arte Las Condes

The cinderella´s sisters desease (2013)

<p>smiley faces painted on actual rubbish bags.</p>

Street art/ performance

Satisfied kids Project (2014)

<p>Watercolor series of people I met during a trip trhough New Zealand. Me as an immigrant portraying immigrants aswell. Each portrait &nbsp;was painted on "New World Customer Cards". New World is the name of a &nbsp;supermarket chain.<br><br></p><p><strong>''I Hope You Like It'', Javier Mansilla (None Gallery)</strong><br><a href="https://www.odt.co.nz/entertainment/arts/art-seen-96"><strong>https://www.odt.co.nz/entertainment/arts/art-seen-96</strong></a></p><p><br></p><p>Chilean artist and musician Javier Mansilla has chronicled his New Zealand travels through a collection of watercolour portraits of ordinary New Zealanders going about their daily chores.</p><p>To emphasise the everyday nature of these brief encounters, he has painted the portraits on noticeboard cards from the supermarket chain where he met these people, creating ''Faces of the New World''.</p><p>The pun is a deliberate one; not only is it the name of the supermarket chain, but New Zealand is also a true new world for the artist.</p><p>There is a fear with this sort of work that the execution might not live up to the concept. In this case, the fear is unjustified, as the portraits are fresh and appealing, each nicely capturing some of the spirit of the sitter.</p><p>A nice touch is the addition, under each portrait, of a ''title'' in the form of a snippet of conversation between painter and paintee. These provide an often humorous juxtaposition to the works.</p><p>A second group of pieces, smaller in number but larger in size, is presented nearby.</p><p>This experimental series is of studies in various media of the nature of brick walls, and leads from pure figurative painting through to more expressionist sculptural pieces.</p><p><br></p><p><br></p>

NONE GALLERY, Dunedin, New Zealand

Faces of the New World (2013)

<p>None Gallery, 2013, Dunedin, New Zealand.</p><p>Recorrido desde la <strong>Figuracion Bidimensional</strong> a la <strong>Abstraccion Tridimensional&nbsp;</strong>.</p>

British bricks walls (2013)

<p>Espacio Flor, 2012. Santiago, Chile.<br>Serie de experimentos escultoricos en los que se mezclan materias primas con materias procesadas.</p>

Espacio Flor

La Naturaleza (2012)

<p>Experimentos donde se utiliza la &nbsp;<em><strong>Goma de Mascar</strong></em>, o<b style="font-style: italic;">&nbsp;Chicle</b>, como símbolo de una cultura de entretenimiento, de masas, artificial y desechable. En oposicion a materias primas o imagenes pertenecientes a un contexto orgánico, natural y campesino como la <strong><em>Paja</em></strong> o<strong><em>&nbsp;Tempanos de Hielo.</em></strong><br><br></p>

Galería Concreta M100/Casa Lo Matta

Chewing gum works (2007-2011) 

<p><span style="font-family: Arial, Helvetica, Verdana, Tahoma, sans-serif; font-size: 15px; line-height: 1.5em;">Galeria Uniacc, 2010. Santiago, Chile.</span></p><p>Se tomó <b style="font-style: italic;">Paisley&nbsp;</b>(patrón gráfico de diseño textil)<b style="font-style: italic;">&nbsp;</b>como modelo para traducir del universo bidimensional al tridimensional y ser presentado en un formato de pintura mural.</p>

Galería UNIACC

Mistico redondo pop y pobre (2010)

<h1>Galeria Moto 2009 Santiago, Chile.</h1><div>Reflexiones en torno al paisaje, la figuración, la traducción del Tridimensional al Bidimensional y las cualidades Blandas de la Pintura.</div>